Vestindo Ideias: filmes

[Estreia] “Você Nunca Esteve Realmente Aqui” é um filme do gênero de drama surpreendente

filmes 07 agosto

Para quem gosta de filmes com uma violência não explícita é uma boa pedida

O filme dirigido por Lynne Ramsay, conhecida pelo longa Precisamos falar sobre o Kevin, tem um teor de violência melancólica que lembra um pouco sua obra antiga. Em Você nunca esteve realmente aqui, vemos um veterano de guerra que ganha sua vida salvando garotas e sendo violento com quem abusa delas. A violência não é explicita, não há enquadramento nessas horas é algo mais distante, aterrorizador e enfocada por enquadramentos de corpo inteiro.

crítica filme você nunca esteve realmente aqui

Imagem Divulgação

O longa é baseado na obra de Jonathas Ames, e retrata como é a vida de alguém que tem um trabalho violento e como ele é com as pessoas que ama. A fluidez do filme é garantida com a trilha sonora, dirigida por Jonny Greenwood da banda Radiohead, e os efeitos, que dão ritmo até mesmo em cenas paradas.

A fotografia, efeitos e referências com filmes de Tarantino, por exemplo, são vistas facilmente. O ritmo é bem diferente de Hollywood, mas confesso que dessa vez deixou a desejar. Apesar de ser necessário para entendimento do enredo, houve muitas partes longas e desnecessárias.

Crítica você nunca esteve realmente aqui

Imagem divulgação

O roteiro tem falhas e acredito que por se tratar do psicológico poderia ter sido melhor explorado, o personagem Joe, interpretado por Joaquin Phoenix, apesar das falhas de roteiro consegue superar esses problemas por conta de sua atuação. O personagem Joe não é de se expressar através da fala, mas por suas expressões e memórias fortes criam um clima incômodo durante toda a sessão, que lembra bastante à obra por qual Ramsay ficou conhecida.

Apesar da atuação fantástica, senti falta de conhecer um pouco mais sobre a garota que estava sendo salva, sobre o porquê de tudo ter acontecido e até uma maior atenção aos problemas psicológicos de Joe, que consegue ser violento e amoroso sem mudar muito.

Os detalhes do filme são excepcionais, ainda mais pelo enfoque no martelo que o personagem usa para matar suas vítimas, ou na preocupação dele com o que comprar para agradar uma garotinha que estava sendo usada pelo tráfico.

imagem divulgação

Apesar de uma boa premissa, em minha impressão se tornou um filme raso e o que realmente o salva é a atuação de Joaquin. O filme mistura ação, suspense e drama e como dito possui um ritmo bem diferente do habitual e que poderia ter sido feito de outra maneira, talvez a preocupação com a estética tenha sido maior do que a complexidade do roteiro. Apesar de Ramsey falar sobre temáticas não exploradas, o filme não chega aos pés de suas outras obras e deixou a desejar em emoção, mas não em sangue e clima pesado que são uma de suas caraterísticas e porque atualmente o filme está sendo comparado à taxi driver. Apesar de válida a comparação, acredito que só uma boa fotografia não conseguiria salvar um filme que deixou tantas falhas no ar. O filme estreia no dia 9 de julho de 2018.

Sinopse: Um homem, veterano de guerra, ganha a vida resgatando mulheres presas em cativeiros trabalhando como escravas sexuais. Após uma missão malsucedida em um bordel de Manhattan, a opinião pública se torna contra ele e uma onda de violência se abate na região.

Ficha técnica:
Data de lançamento 9 de agosto de 2018 (1h 30min)
Direção: Lynne Ramsay
Elenco: Joaquin Phoenix, Ekaterina Samsonov, John Doman mais
Gêneros: Suspense, Drama
Nacionalidades: Reino Unido, França, EUA
Produção: British Film Institute (B.F.I.)
Distribuidor brasileiro (Lançamento): Supo Mungam Films

Locais de exibição:SÃO PAULO:Espaço Itaú de Cinema Augusta,Caixa Belas Artes,Reserva Cultural,Cinesala,Kinoplex Itaim e Cinesystem Morumbi Town / RIO DE JANEIRO:Estação NET Botafogo,Estação NET Gávea,Espaço Itaú de Cinema Botafogo,Espaço Rio Design,Cine Star Laura Alvim eKinoplex Fashion Mall / BELO HORIZONTE: Cinema Belas Artes / BRASÍLIA:Espaço Itaú de Cinema Brasília eCine Cultura Liberty Mall / PORTO ALEGRE:Espaço Itaú de Cinema Porto Alegre e Guion Cinemas / CURITIBA:Espaço Itaú de Cinema Curitiba / NITERÓI:Rserva Cultural Niterói / SALVADOR:Espaço Itaú de Cinema Salvador eSaladearte Museu / RECIFE:Moviemax Rosa e Silva,Cinema da Fundação Derby eCinema da Fundação Museu / FORTALEZA:Cinema do Dragão/ FLORIANÓPOLIS:Cineshow Beiramar/ GOIÂNIA:Lumière Bougainville/ VITÓRIA:Cine Jardins/ SANTOS:Espaço Miramar / TERESINA:Cinemas Teresina / MACEIÓ:Cine Arte Pajuçara /

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[Estreia] “Alguma Coisa Assim” retrata a descoberta de si próprio

filmes 25 julho

Um filme que questiona a necessidade de dar nome às relações

Depois do sucesso de Alguma Coisa Assim – o curta (assista aqui), estreia dia 26 de julho, quinta feira, a versão longa metragem, sob direção de Esmir Filho e Mariana Bastos. No curta temos Caio (André Antunes) descobrindo sua sexualidade já no longa o protagonismo se inverte (de maneira não intencional, garantem os autores) para Mari (Caroline Abras) e seus medos.

Cena do curta metragem
Imagem: Divulgação

Comparado a Boyhood por se passar em diferentes tempos, o longa é um quebra cabeça que junta todas as partes desde a curta metragem e desenvolve os dois personagens. Diferente do filme comparação que se passa todo em ritmo cronológico, em Alguma Coisa Assim passamos por diferentes tempos sendo costurados entre si, novamente pelas mãos da talentosa Caroline Leone. Um filme nacional que também fugiu de montagens tradicionais e trouxe questionamentos interessantes e que pode ser comparado a esse pela forma de narrativa é Paraísos Artificiais, que também não teve uma ordem cronológica, porém os questionamentos eram outros.

Somos apresentados aos personagens através de cenas do curta e vamos sendo mostrados à cenas posteriores das suas vidas. Os cenários para isso são a Augusta em 2006, e Berlim em 2016. A ideia de dois mundos modernos e descolados foi pensada previamente “Berlim tem muita a ver com a transformação, uma cidade cheia de guindaste e reconstrução e a gente queria falar um pouco sobre a questão geracional, de como o tempo modifica as relações, entendemos que a Augusta e Berlim significava um pouco disso”, diz Mariana Bastos.

Nas cenas gravadas na Augusta, temos um casal de amigos/namorados/ficantes – não sabemos definir, o que resulta no nome do filme – já em Berlim temos esse mesmo casal mais maduro, com Caio sendo médico e Mari ainda trilhando um caminho único na sua vida. “Existe ao longo do filme uma tensão sexual latente, que não conseguimos dar nome à isso” afirma Esmir “Essa coisa de não rotular, traz uma liberdade maior sem a necessidade de se explicar, mas também sabemos que não saber o que é uma relação também traz muito problema. Porque existe um comportamento que acontece porque você dá nome as coisas, se você não sabe o que é ou não quer dar nome as coisas, uma outra complicação pode acontecer”, completa Mariana.

Imagem: Divulgação

O desenrolar do filme vai o tempo todo de frente para trás e de trás pra frente, foram ao todo três encontros entre o casal protagonista: 2006, 2013 e 2016 que resultaram além do amadurecimento dos personagens em saber um pouco mais sobre os sentimentos deles. A personagem Mari, guarda todos os sentimentos para si mas com a atuação de Carolina Abras conseguimos enxergar tudo aquilo que é guardado dentro da característica de forte.

A trilha sonora é bem marcante, tendo sido produzida por Lucas Santtana e Fabio Pinczowski, oferece ao telespectador mais atento perceber o barulho constante de uma construção em andamento ou uma demolição, que dá ritmo ao filme.

O olhar que temos durante a montagem e o fato de o tempo todo sabermos o que irá acontecer no final, faz com que desejemos saber por que de tudo isso e o que levou as atitudes que ocorreram. Como dito anteriormente, o protagonismo em muitas partes saiu de Caio e foi para Mari, que soube levar o telespectador à sua mente, brilhando em partes do filme de maneira única.

Além da questão de falar sobre relações que não definidas, os temas abordados também são aborto, novas configurações de família e liberdade. Mas a meu ver, pode ser acrescentada também a forma como não percebemos o que o outro sente, sempre há a necessidade de se falar até o que não precisa. Em alguns pontos, achei Mari uma garota sem compromisso com nada nem ninguém, pensando apenas em si própria, mas terminei achando isso do Caio. A forma como o relacionamento dos dois foi abordado, trouxe questões importantes principalmente em relação à comportamento das pessoas próximas.

É um filme com um ritmo bem peculiar e que como dito anteriormente, já vimos em Boyhood, porém dessa vez tem uma montagem de cenas diferente. É um filme para se discutir, falar sobre coisas não ditas e também sobre a liberdade de corpos femininos e masculinos.

O filme estreia amanhã e será um filme para um bom amante de cinema nacional e que gosta de abordagens sobre temas não tão discutidos, vai ser uma ótima pedida.

Data de lançamento: 26 de julho de 2018 (1h 20min) /Direção: Esmir Filho, Mariana Bastos/Elenco: Caroline Abras, André Antunes /Gênero: Drama/Nacionalidades: Brasil, Alemanha/Distribuição: Vitrine Filmes

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[Estreia] Ilha dos Cachorros é mais que um desenho para crianças

animações 17 julho

Um filme para refletir sobre um sociedade baseada no regime ditatorial

Você já pensou em dizer adeus ao seu fiel companheiro por um mandado de um presidente? É sobre essa questão que o filme Ilha dos Cachorros, do diretor Wes Anderson de grandes produções como Hotel Budapeste e diretor do filme O fantástico senhor raposo, está inserido.

Imagem: Divulgação

O enredo conta uma história futurística, mas pode facilmente ser comparado com uma sociedade que vive sob uma ditadura. O sobrinho do prefeito, Atari, sob ordens do seu tio Kobayashi – prefeito de Magasaki – envia seu cão como primeiro a viver em uma ilha do lixo, a fim de incentivar os demais cidadãos a fazerem o mesmo com seu cães. O ordem do prefeito se baseia na afirmação de que duas doenças presentes nesses animais estão chegando ao ponto de serem passadas ao humanos.

Atari, como um bom revolucionário, rouba um avião de pequeno porte e parte em direção à ilha do lixo, atual ilha dos cachorros para resgatar Spots. O longa que foi todo produzido em stop motion, que exige maior trabalho manual, e logo no começo do filme é dito que os humanos no longa falam japonês e que os latidos são traduzidos (para inglês) – não sei como será a exibição nos cinemas, mas espero que se mantenha legendado.

Imagem de como é o processo de stop motion| Imagem: Divulgação

Ao desembarcar na ilha e se ferir, Atari encontra quatro cachorros: o turrão, e vira lata Chief, o autointitulado líder Rex, o fofoqueiro Duke, o mais bobo do time, Boss e o King, um cachorro com bastante classe. É então que a história passa-se a desenvolver e a lealdade de cão x homem é posta à prova. O que mais tem dificuldades em obedecer é Chief, exatamente por sempre ser um cachorro de rua não entende o porquê deve-se obedecer a um humano.

A forma como a narrativa acontece chama-se atenção, em alguns momentos como crítica os cachorros falam “seria tão bom entender o que esse garoto fala”, afinal normalmente não entendemos o que os nossos fies amigos estão tentando nos contar. Mas, além disso, os elementos em stop motion acelerados dão um tom cômico a como ocorre à narração e é uma obra de arte vista em filme, principalmente pelos detalhes expressos nos personagens.

Quanto ao quesito mídia, o filme faz várias menções sobre como a população foi levada a essa situação através do que foi reproduzido por televisões e jornais. O que pode ser facilmente visto na sociedade, que tem como 4º poder a mídia –pessoas que já leram ou viram “O quarto poder” podem entender - domina as telas e diz a uma sociedade letrada e não letrado, de quem gostam e do que você deve ou não fazer.

Temos também uma personagem secundária que enquanto Atari está na Ilha dos cachorros está em Magasaki, como estudante intercambista, tenta mudar essa legislação fazendo investigações para o jornal estudantil de sua escola e que se envolve demais com a história.

Apesar do tom cômico adquirido é um filme cheio de metáforas com nossa sociedade e podemos alterar cachorros por refugiados, por exemplo, ou qualquer outro para entender um pouco mais. Com certeza, não é um filme apenas para crianças e também para adultos repensarem sobre algumas questões.

O filme estreia dia 19 de julho de 2018 nos cinemas.

Sinopse: Atari Kobayashi é um garoto japonês de 12 anos de idade. Ele mora na cidade de Megasaki, sob tutela do corrupto prefeito Kobayashi. O político aprova uma nova lei que proíbe os cachorros de morarem no local, fazendo com que todos os animais sejam enviados a uma ilha vizinha repleta de lixo. Mas o pequeno Atari não aceita se separar do cachorro Spots. Ele convoca os amigos, rouba um jato em miniatura e parte em busca de seu fiel amigo. A aventura vai transformar completamente a vida da cidade.

Título original : Isle Of Dogs
Distribuidor: Fox Film do Brasil
Ano de produção: 2018
Tipo de filme: longa-metragem
Idiomas: Inglês, Japonês
Duração: 1h42min

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[Estreia] “Custódia” revela o lado emblemático de uma separação

cabine de imprensa 29 junho

O filme tem como premissa mostrar os dois lados de uma separação

Um pai que afirma não ter direito em visitar os filhos, uma mãe que luta para manter seus filhos à salvo, uma filha que não quer ver o pai e um filho que não quer deixar a mãe sozinha. É sobre esse roteiro tão comum na sociedade que o Custódia, filme de Xavier Legrand, está inserido.

A trama começa com a audiência de custódia de Julien (Thomas Gioria), onde a mãe Miriam (Léa Drucker) tenta convencer a juíza que Antoine Besson (Denis Ménochet) é um homem perigoso para sua família.

Imagem Divulgação

A forma como tudo é narrado no começo é bem ambíguo, ainda mais com a frase que é dita pela juíza logo no começo do filme “um de vocês dois é o maior mentiroso”, e apesar de ser uma mulher e o filme se passar na França (um país que preza tanto pela liberdade sexual e das mulheres) a decisão é que a mãe não tem provas sobre o que afirma e, portanto a guarda será compartilhada entre ambos os personagens.

O pano de fundo da narrativa é o cotidiano mais que comum: Uma filha que deseja apenas estar ao lado do seu namorado e mata aula, uma mãe que luta por encontrar um local para morar com os filhos, um filho amedrontado pelo pai e um pai um tanto quanto misterioso em suas atitudes. A tensão é sentida do começo ao fim, ainda mais que pelas poucas palavras que são pronunciadas em algumas cenas, mas que você consegue entender perfeitamente o que está sendo dito apenas com o olhar.

Imagem: Divulgação

Se no começo há certa ambiguidade sobre quem é certo, após 20min de filme já sabemos que se trata de uma história que é tão comum em partes do mundo, principalmente aqui no Brasil onde a cada 5 minutos uma mulher é agredida sendo que uma pesquisa de 2017 diz que 17% das agressões são pelos próprios conjugues e 61% são de homens que já conheciam. Esse número é visto no filme, tendo em vista que Miriam não tinha provas das agressões por não ter registrado um boletim de ocorrência.

O filme tem um ritmo bem diferente dos filmes hollywoodianos e com isso, não há um nível de tensão antes do final: o filme inteiro é assim. Segundo Legrand, “o filme começa com a racionalidade das palavras e termina com um horror quase irreal. Foi uma decisão consciente. A quem não conhece de perto, essa violência parece incompreensível e inimaginável”.

Dessa forma a narrativa foi bem intensa e soube até mesmo deixar um suspense no ar com relação a filha mais velha do casal, que completou 18 anos na trama. A forma de narrar algo do cotidiano não é novidade, quem assistiu Que horas ela volta?, filme com Regina Casé, sabe que muitas vezes mesmo sem uma emoção muito grande a trama pode te prender do começo ao fim.

A forma da narrativa me prendeu do começo ao fim e até mesmo me causou uma indignação como telespectadora sobre uma realidade que sei que é bem comum para muitas mulheres. Não apenas isso, o jovem ator Thomas Gioras, que interpretou Julien, soube dar vida ao personagem de maneira muito intensa e mostrar como é a vida de uma criança ao meio à tudo isso. No geral, todas as interpretações foram muito bem feitas e souberam dar ritmo ao filme.

É um filme para ser digerido, discutido em uma roda de amigos e principalmente para repensar a realidade tão dura existente para mulheres ao redor do mundo. Se fui a cabine de imprensa esperando encontrar um filme clichê, me deparei com um longa metragem parisiense muito bem produzido.

Estreia dia 05 de julho em 36 salas e 16 cidades

Locais de exibição:

SÃO PAULO : Cinearte Petrobras/Caixa Belas Artes/Cinesala/ RIO DE JANEIRO :Estação NET Rio/Estação NET Gávea/Estação NET Ipanema/Espaço Itaú de Cinema Botafogo/Espaço Rio Design/Kinoplex Roxy/Cine Star Laura Alvim/Cine Odeon/ NITERÓI :Cine Arte UFF/ BELO HORIZONTE :Cinema Belas Artes/Cineart Ponteio/ BRASILIA :Espaço Itaú de Cinema Brasília/Cine Cultura Liberty Mall/ PORTO ALEGRE :Espaço Itaú de Cinema Porto AlegreGuion CinemasGNC Moinhos CURITIBA :Espaço Itaú de Cinema Curitiba/Cineplex Novo Batel/ SALVADOR :Espaço Itaú de Cinema Salvador/Saladearte Paseo/Saladearte Museu/Saladearte UFBA/ Cinépolis Bela Vista/

RECIFE :Moviemax Rosa e Silva/Cinema da Fundação Derby/Cinema da Fundação Museu/ FORTALEZA :Cinema do Dragão/ SANTOS :Espaço Santos / VITÓRIA :Cine Jardins/ GOIÂNIA :Lumière Bougainville/ MACEIÓ :Cine Arte Pajuçara/ JOÃO PESSOA :Centerplex Mag Shopping / BÚZIOS :Gran Cine Bardot /

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Resenha - filme: Deadpool 2

cabine de imprensa 17 maio

*Essa resenha foi escrita por Fernanda Sartori para o Vestindo Ideias

Foto: Divulgação Fox

Segunda feira, dia 14 de maio tivemos a cabine de imprensa de Deadpool 2 no Shopping Eldorado. Nunca havia ido em uma cabine de imprensa e achei muito interessante como o conteúdo foi apresentado, vimos as ações de marketing feitas, e gente procurem o vídeo da música tema do filme Ashes da Celine Dion (from the Deadpool motion Picturesoundtrack) garanto que vão rir muito.

Agora tenho que confessar que não sou a maior fã de Deadpool e até sábado passado não havia visto o primeiro filme da sequência. Admito que me surpreendi muito com o segundo filme, especialmente em comparação com o primeiro! O primeiro é bem introdutório, focado em apresentar o personagem principal e não muito na história do filme, então achei o enredo meio fraquinho, sabe?! Não havia simpatizado muito com o Deadpool, em especial com a atitude de anti-herói que ele é, com a história e na linearidade, esse vai e volta toda hora não tinha me agradado muito então fui bem cética ver o segundo filme. E ainda bem que fui! Como uma “não fã” eu adorei o segundo filme. Nas questões mais técnicas achei a história muito mais consistente e interessante, com uma linearidade e continuidade que particularmente me agradaram e muito, senti que os personagens foram melhor explorados, em seus aspectos pessoais (de poderes e personalidade), nisso conseguimos sentir uma aproximação muito mais forte com os personagens – que foram introduzidos e com os que já vimos anteriormente.

Outra característica que eu acho interessante é o diálogo que o personagem faz com o público, meio que quebrando a quarta parede em momentos específicos que funciona bem. Mas não se engane, o filme não fica mais “soft” por causa disso, tanto que a classificação continua em 18 anos (objeto de piada ao decorrer da história).

foto: Divulgação Fox

Uma das coisas que mais me agradaram foram o número gigantesco de referências à cultura pop e geek de todo jeito. É sério, referências são jogadas ao espectador TODO tempo (quem tem acompanhado essa saga de filmes de super-heróis vai amar), além do filme ser regado de piadas e zoeira daquela maneira do Deadpool que já conhecemos do primeiro filme.

Não me lembro de um filme que eu ri tanto quanto esse, e claro as piadas seguem o nível pesadíssimo do filme anterior. O estilo de narrativa também se mantém com inúmeras cenas de ação com MUITO sangue (não recomendado para pessoas sensíveis à sangue ou membros sendo cortados de corpos haha) então para aqueles que acharam o primeiro filme muito “forte”, esse nem se compara!

Senti que o filme mantém um nível de emoção do início ao fim, parece que há clímax em todas as partes, ou seja, é um up and down de emoções. Como de praxe da Marvel ESPEREM a “cena pós crédito” , que para mim foi uma das melhores cenas pós créditos de todos os filmes da Marvel, SÉRIO, SEM ZOEIRA... 10/10. Espero que tenham gostado dessa resenha, é minha primeira vez colaborando aqui no Blog da Cah e espero estar à altura!!!!!!!!

Beijos de luz, Fe Sartori xx

Após a publicação dessa resenha, a classificação etária passou a ser de 16 anos. A decisão foi baseada na classificação dos outros países.

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Resenha crítica: O experimento do aprisionamento de Stanford

filmes 02 maio

O filósofo Rousseau diz que o homem nasce bom, mas que a sociedade o corrompe, mas será que é verdade? Será que existe uma linha tênue entre o que é bom e o é ser ruim? Essa eterna questão é discutida no filme O experimento de aprisionamento de Stanford.

Esse episódio ocorreu em 1971 por pesquisadores liderados pelo professor Philip Zimbardo, que baseou o experimento nas ideias de Gustave Le Bon de comportamento social, em particular a desindividualização. O argumento é que os indivíduos de um grupo, constituído por uma multidão tendem a perder sua identidade pessoal, consciência e senso de responsabilidade. Este processo foi analisado pelo famoso experimento, realizado no verão de 1971 no porão do Instituto de Psicologia da Universidade de Stanford, em Palo Alto, onde foi fielmente reproduzido o ambiente de uma prisão.

Esse ambiente é reproduzido no filme de 2015, sendo esse o terceiro sobre o experimento. Um grupo de jovens se voluntaria para serem parte desse acontecimento e lhe és perguntado se desejam serem os guardas da prisão ou os prisioneiros, e ainda pensando no pós guerra muitos escolhem serem os prisioneiros por acreditar ser mais fácil. Quem se tornou o que é escolhido através da moeda, no cara ou coroa.

Assim que se começa o experimento começa-se tudo a ser estranho: A marinha dos EUA ajuda a desenvolver o plano e cria situações de porque os indivíduos estão sendo presos e levados ao porão para começar. Logo seus nomes são substituídos por números e os guardas aparecem devidamente caracterizados para imporem respeito.

experimento de aprisionamento de stanford

Em nenhum momento ninguém age como se fosse um experimento, parece tudo real e o poder é facilmente subido à cabeça dos guardas e o sentimento de serem errados faz parte dos prisioneiros.

Durante o filme é possível observar o comportamento de cada um, cada um enlouquecendo à sua maneira. E aí entramos na discussão se é realmente o ambiente que te corrompe ou se você realmente já nasce com o instinto mal. O filme tem um jeito bem diferente de contar, como está sendo reproduzido o tempo que durou o experimento não é algo rápido, o filme tem duas horas de duração e foge do famoso ritmo hollywoodiano.

Basicamente nesse filme conseguimos ver os dois lados de uma pessoa, como ela se comporta quando está no poder e quando está por baixo em alguma situação. A ideia de como o ser humano consegue se perder em meio aos seus próprio psicológico é realmente algo a ser pensado. O jogo de cena do filme foi muito bem produzido e conseguiu me prender do começo ao fim, tudo realmente remetia à época em que tudo aconteceu e os atores deram um show à parte conseguindo passar a sensalção de cada preso.

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Estreia: 1945 - Um filme sobre o final da Segunda Guerra Mundial

cabine de imprensa 02 abril

Filmes sobre a segunda Guerra Mundial são comuns de serem encontrados, mas um que relata um final que é pouco explorado não é tão fácil assim. 1945 é um filme sobre o final dessa era de guerra, quando os judeus voltam às suas casas e sendo assim para tudo que foi lhes tirado.

filme sobre o final da segunda guerra mundial

Sinopse: Em um dia de verão em 1945, um judeu ortodoxo e seu filho retornam a um vilarejo na Hungria, portando caixas misteriosas, enquanto os moradores se preparam para o casamento do filho do tabelião da cidade. Os habitantes - desconfiados, cheios de remorso e temerosos - esperam o pior e agem dessa forma. O tabelião teme que os homens possam ser herdeiros dos judeus deportados do vilarejo, representando uma ameaça às propriedades e bens que ele adquiriu ilegalmente durante a Segunda Guerra Mundial.

O filme todo ambientado em preto e branco tem direção de Ferenc Török traz de uma forma sutil elementos para uma discussão muito maior. Somos levados primeiramente à uma estação de trem onde um pai e um filho judeus ortodoxos descem trazendo roupas e perfumes para uma pequena vila húngara. A chegada deles coincide com o casamento de um funcionário muito importante da cidade, Szentes István, o escrivão da cidade e dono da farmácia.

Esse funcionário, no entanto, é um dos mais preocupados com o que pode acontecem com a volta desses dois judeus que não possuem registro no vilarejo. Dentro desse contexto vemos várias personagens agindo de maneiras diferentes: Alguns tranquilos por terem feito de tudo para ajudar os da região, outros preocupados por terem se apossado de itens que não lhe eram de direito e alguns de forma violenta. O pano de fundo dessa história é o casamento, que mostra-se estranho com uma noiva promíscua e um noivo revoltado com o que pai fez com os judeus que ali moravam.

O sentimento de culpa é evidente na população e perpetua por todo o filme, enquanto os dois personagens falam pouco e são diretos ao assunto. Eles fazem todo o caminho que desejam a pé, atrás da carroça com seus pertences sem falar o que realmente vai acontecer. Esse pra mim foi um dos pontos mais altos do filme, senti toda a sensação de não ser bem vindo em um local e as pessoas terem que te aceitar por questões políticas.

Cada personagem foi explorado à sua maneira e muito bem desenvolvido, mesmo que algumas questões as respostas não sejam óbvias e outras sejam. O que mais me impressionou algo longo do filme é o sentimento que ele passa e também a forma da narrativa bem diferente dos filmes hollywoodianos que estamos acostumados a ver.

A fotografia em preto e branco dá um ritmo ao filme que mostra algumas feridas que foram difíceis de serem fechadas e as oportunidades perdidas dos judeus por culpa de homens como o escrivão.

Como falei é um filme bem diferente do que estamos acostumados sem ter algo pesado evidenciado e sim sentido. O filme estreia dia 5 de abril, e será exibido em salas como a reserva cultural em São Paulo.

Update: À partir do dia 12/07 o filme estará disponível nas seguintes plataformas digitais: Now, iTunes, Google Play, Vivo Play e Looke.

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Estreia: “Daphne” um filme sobre intensidade emocional de uma mulher aos 30 anos

cabine de imprensa 28 fevereiro

Dahpne, uma mulher no auge dos seus 30 anos, trabalha em um restaurante e durante a noite sai em busca de sexo e drogas para seu cotidiano. Sob a direção de Peter Mackir Burns, o longa retrata uma Londres moderna de uma população noturna em busca de diversão.

O que teria tudo para retratar uma mulher em sua intimidade e mente, acaba se tornando superficial e sem um aprofundamento em nenhuma questão. A narrativa em forma de contar aos poucos ao telespectador o que está havendo na mente da personagem, me lembrou de The End Of the f****ing world.

Emily Beecham está deslumbrante em seu papel, consegue dar à Daphne uma profundidade interessante. Apesar da boa atuação, não consegue compensar o roteiro que é bom, mas não excelente. Sobre o fato de dois homens terem pensado na caracterização da personagem, foi dito “Eu faço filmes sobre o que eu acho interessante. Até agora, a maior parte dos trabalhos que eu fiz foram sobre personagens femininos - ou no mínimo dilemas que eu acho fascinantes” disse Peter, já Nico Mensiga, escritor, disse “Também havia duas mulheres que estavam intimamente envolvidas no processo criativo, Emily Beecham, é claro, mas também a produtora Valentina Brazzini; então nunca foi só eu, um homem, escrevendo sobre o isolamento de uma mulher” porém não foi que senti assistindo.

Todas as características demonstradas no longa são o que consideramos de um homem e não de uma mulher independente que paga suas próprias contas e que lê livro interessantes. A discussão sobre isso é válida, já que não é comum vermos uma personagem feminina nos cinemas com as características que deram à Daphne. Nesse ponto achei positivo, mas senti que realmente alguma coisa faltou para que pudéssemos nos sentir com empatia.

A crítica internacional achou o filme deslumbrante, e preciso dizer que a fotografia do filme, de responsabilidade de Adam Scarth, realmente é muito linda e cada cena parece uma foto o que te faz querer assistir. Um adendo importante é que ao criarem a personagem (já pensando em Emily Beecham) fizeram com que a atriz lesse os livros que são citados ao longo do enredo e isso deu uma profundidade maior à personagem.

O desenrolar, que eu disse acima ser parecido com a série The End Of The F***ing world, série original da Netflix, é naquela forma de cebola, onde a camada mais profunda só aparece no final. Daphne passa por uma experiência intensa, mas só conseguimos ver o que ela realmente sente já ao final do filme. Isso em si não foi uma coisa que me incomodou, mas não senti que houve um aprofundamento do que ela estava sentindo que está como um grande destaque. Daphne para mim se mostrou uma pessoa um tanto quanto impenetrável e que não demonstrou de jeito nenhum o que sente, para mim foi uma escolha acertada mas nem tanto. Acredito que por ser um filme europeu e os costumes sentimentalistas de lá serem diferentes do Brasil eu senti essa diferença, mas para mim o que era pra ser algo profundo se tornou algo raso.

Acredito que sim, é um filme bom mas não da forma como foi proposto. Se fosse apenas uma mulher e suas transformações e sua luta para colocar para fora o que sente, seria uma coisa, mas para mostrar algo tão íntimo e tão profundo acredito que tenha falhado um pouco. Não é excelente, mas não é ruim e pela fotografia do filme se torna interessante em assistir.

O filme tem estreia no dia 8 de março, e estará em cartaz em alguns cinemas como Reserva Cultural, em São Paulo.

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Estreia: Operação Red Sparrow é mais que um filme de ação

cabine de imprensa 22 fevereiro

Um filme com nudez explícita, romance e ação

Sinopse: Dominika Egorova (Jennifer Lawrence) é selecionada contra sua vontade para se tornar uma "pardal"- uma mulher sedutora treinada no serviço de segurança russo. Inspirado no livro do ex-oficial da CIA, Jason Matthews, "Roleta Russa" reúne Jennifer Lawrence com seu diretor de "Jogos Vorazes", Francis Lawrence, além de Joel Edgerton, Matthias Schoenaerts, Charlotte Rampling, Mary-Louise Parker e Jeremy Irons.

Imagem: Divulgação

Moscou, inverno. Dominika Egorova é uma jovem russa bailaria que faz grandes apresentações com a companhia Bolshoi. Em uma de suas apresentações mais importantes seu parceiro comete um erro, o que faz com que a personagem acabe muito machucada.

Nataniel Nash, ou Nate, é um agência da CIA que após um erro ao proteger seu informante acaba na mira dos Russos e é por isso que acaba por conhecer Dominika.

O filme, inspirado no livro “Roleta Russa” explora o mundo da CIA e como a Rússia possui espiões e os cria. Dominika não vira uma sparrow (pardal) por querer, ela se torna para sobreviver ao presenciar uma cena de um crime. Mas nem tudo nessa história é tão fácil de explicar, como por exemplo o fato de quem mandar a personagem para um centro de treinamento é seu tio.

Nesse local mulheres e homens não aprendem apenas como arrombar porta ou como identificar o que seu adversário precisa, mas sim a seduzir o próximo de forma a obter informações.

Dominika desde o primeiro momento é nos apresentada como uma mulher forte, em minha humilde opinião nunca vi Jennifer Lawrence tão bem em um filme como está nesse. Por ser uma filme dramático, conseguimos sentir toda a intensidade da cena apenas com o olhar da atriz. Porém, nem tudo são flores. O filme teve sim seus erros, o par romântico – Nate – se mostrou um péssimo parceiro, já que não houve química entre os dois, deixando as cenas de romance em dúvida se era pra ser algo forçado ou se era para ter amor.

O tio de Dominika foi um caso interessante, afinal que tipo de pessoa envia sua sobrinha para “a casa das putas” como é mencionado no filme? Diferentemente do ator que interpreta o Nate, esse realmente consegue ter uma química com a personagem fazendo até mesmo saírem faíscas da tela.

O filme como o próprio diretor Francis Lawrence definiu na coletiva de imprensa “É original, não uma cópia, é algo com um ar novo” e que na minha opinião se casa perfeitamente com o que vem sendo discutido na política atual em relação EUA X Rússia.

Figurino

Imagem: Divulgação

Esse foi realmente um show à parte, num primeiro momento vemos Dominika usando uma roupa simples para sair para trabalhar e no dia que acontece o acidente sua roupa estava simplesmente fabulosa, além da maquiagem.

O figurista nesse caso soube compor uma cena bem, já que para cada momento da vida da personagem havia um tipo de roupa que foi se adequando e deixava a cena combinando com o humor da personagem. Foram vestidos desde sexy normal, até puritanos e roupas cotidianas tudo isso casando muito bem e tendo um tipo certo de estilo sem parecer algo forçado. Isso me lembra que a fotografia e enquadramento do filme foi muito bem feita e que soube dar ritmo perfeitamente para a história.

Considerações finais

Imagem: Divulgação

O longa metragem foi claramente muito bem produzido, o som e imagem impecáveis. A escolha da protagonista e família foi acertada, porém não do seu par romântico. Inclusive, por ela ser tão incrível e tão inteligente não precisava disso.

O filme possui sim muitas cenas de sexo e nudez explícita – feminina e masculina – tanto que nos EUA a idade permitida para se assistir ao filme é 17 anos, porém compensa assistir. Outro detalhe é que o filme é longo (140 min) e durante os minutos que antecederam o ápice filme, senti que estava um pouco cansativo, mas meu incômodo durou cerca de 20min no máximo e não prejudicou em nada ao meu ver.

Adendo importante: Ocorrem cenas de tortura (que não posso falar o porquê pra não dar spoiler) então quem não consegue assistir cenas assim, sugiro pensar sobre ir.

Indico para quem gosta de um filme que é bem fora da caixinha e que consegue misturar três gêneros em um só. Quanto a classificação etária no Brasil está em 16 anos. Operação Red Sparrow estreia no dia 1º de março.

*Filme assistido no dia 21 de fevereiro de 2018

*Entrevista coletiva no dia 22 de fevereiro de 2018

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